Todo sobre -QUEEN-

Rock en Cadena nos trae todo sobre la banda QUEEN

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Bienvenidos a tod@s. Estamos de celebración en el podcast, nada mas y nada menos que tres años desde aquel primer episodio dedicado a Dokken. Y como viene siendo habitual intento darme un capricho dedicándoselo a bandas muy ligadas a mi. Esta vez lo hacemos con una banda que ha sido capaz de «tocar» todos los estilos musicales haciendo de su grupo el mas grande de la historia, con unas harmonías vocales únicas convirtieron muchos de sus temas en himnos atemporales. Ellos son Queen.

«Es raro que tengas dificultades para etiquetar una banda. Si eres una banda de heavy metal, debes parecer y sonar como una banda de heavy metal, pero no puedes llamar a Queen de ninguna manera. Podrían ser una banda de pop un día o la banda que escribió ‘Bicycle Race’ al día siguiente y una banda de metal en toda regla al siguiente. En términos de la profundidad del panorama musical que cubrieron, era muy similar hasta cierto punto a los Beatles».

Rob Halford sobre Queen.

Fundacion.

Los miembros fundadores de Queen se conocieron en el oeste de Londres a finales de la década de los 60. El guitarrista Brian May formó en 1964 el grupo 1984 (llamado así por la novela de Orwell ) con el cantante Tim Staffell, mas tarde se convertirían en Smile con Staffell (ahora tocando el bajo) y el teclista Chris Smith. Tras colocar un anuncio buscando batería, Roger Taylor, audicionó y consiguió el puesto. Smith dejó el grupo a principios de 1969. Freddie Bulsara, compañero de estudios de Staffell, se convirtió en una gran fan de Smile, intentando incluso conseguir el puesto de cantante principal, pero May pensaba que Staffell no renunciaría a ese papel. En 1970, Staffell dejó Smile, mas interesado en Soul y R&B que en el sonido de hard rock del grupo. Los miembros restantes aceptaron a Bulsara como cantante principal y reclutaron al amigo de Taylor, Mike Grose, como bajista. Bulsara sugirió que el grupo debería cambiarse de nombre a Queen, algo que en principio no fue visto con buenos ojos por el resto de la banda. Al mismo tiempo, Bulsara, decidió cambiar su apellido a Mercury. El grupo atrajo la atención del productor John Anthony, quien estaba interesado en el sonido del grupo pero pensó que tenían al bajista equivocado. Grose decidió no continuar con la banda y fue reemplazado por Barry Mitchell. A su vez, Mitchell se fue en enero de 1971 y fue reemplazado por Doug Bogie en dos conciertos. En febrero de 1971, John Deacon se unió a Queen.

Los 70. Comienza la leyenda.

May llamó a Terry Yeadon, un ingeniero de «Pye Studios» donde Smile había grabado anteriormente, para ver si sabía dónde podía grabar Queen. Yeadon se había mudado a las nuevas instalaciones de «De Lane Lea Studios» en Wembley , y necesitaban un grupo para probar el equipo y las salas de grabación, así que propuso a Queen grabar algunas demos a cambio de las pruebas acústicas del estudio. Grabaron cinco de sus propias canciones, y durante la grabación, John Anthony visitó la banda con el famoso productor Roy Thomas Baker. Este último pensó que «Keep Yourself Alive» sería un éxito y comenzó a mover el grupo por las discográficas.

El promotor Ken Testi contactó con Charisma Records, quien ofreció a Queen un anticipo de alrededor de 25.000 libras, pero el grupo los rechazó al darse cuenta de que el sello promocionaría mas a Genesis, en ese momento su banda estrella. Anthony y Baker recomendaron a Queen a Barry y Norman Sheffield, propietarios de los estudios Trident. Testi negoció con ellos, ofreciendo a la banda un acuerdo de management con Neptuno Producciones, una subsidiaria de Trident, para gestionar la banda y así poder utilizar sus instalaciones, mientras se buscaba un acuerdo con alguna compañía discográfica. Esto convenía a ambas partes, ya que Trident se estaba expandiendo hacia la representación de bandas y Queen podía hacer uso de las instalaciones de grabación de alta tecnología, aunque solo podían grabar durante el tiempo de inactividad, cuando nadie más estaba usando el estudio, que generalmente era entre las 3 am y las 7 am. Queen, aún sin firmar, promocionó el álbum inédito en febrero de 1973 en BBC Radio 1. Al mes siguiente, Trident logró llegar a un acuerdo con EMI Records y con Elektra Records en los Estados Unidos. Su álbum debut homónimo «Queen», lanzado el 13 de julio de 1973, fue producido por Roy Thomas Baker, John Anthony y los propios miembros de la banda. A pesar de grabarse mayoritariamente en Trident Studios, algunos de los temas se rescataron de las demos grabadas en De Lane Lea Music Centre. Deacon fue acreditado como «Deacon John» mientras que Taylor usó su nombre completo, Roger Meddows-Taylor. [29] El álbum fue bien recibido por la crítica, sin embargo, atrajo poco la atención del publico. El álbum fue certificado oro en el Reino Unido y los Estados Unidos.

A pesar del éxito, Queen todavía estaba atada al trato y los salarios de Trident. La banda era consciente de que el dinero no estaba siendo bien administrado ya que apenas disponían del suficiente como para vivir de su trabajo. EMI contactó al abogado Jim Beach, que trató de encontrar una forma de sacarlos de su contrato. Trident argumentó que habían invertido 200.000 libras en Queen y querían que les devolvieran su dinero. En agosto de 1975, después de su ruptura con Trident, la banda negoció su contrato y buscó una nueva agencia de management. Una de las opciones fue una oferta del manager de Led Zeppelin, Peter Grant , quien quería que firmaran con la propia compañia de Led Zeppelin, Swan Song Records. La banda sabia que seria una prioridad menor que Led Zeppelin y Bad Company (quien también firmó con Swan Song) y en su lugar se puso en contacto con el manager de Elton John, John Reid, quien aceptó el puesto. El cuarto álbum de estudio de Queen «A Night at the Opera» fue publicado el 21 de noviembre de 1975 y producido por Roy Thomas Baker y Queen, convirtiéndose en el momento de su lanzamiento en el álbum más caro jamás grabado, costando 40.000 libras y usando tres estudios diferentes. Las canciones incorporaron una amplia gama de estilos, como baladas, music hall, dixieland, influencias del hard rock y el rock progresivo. Tras su lanzamiento, «A Night at the Opera» encabezó la lista de álbumes del Reino Unido durante cuatro semanas no consecutivas. Alcanzó el puesto número cuatro en el Billboard 200 de los EE. UU. convirtiéndose en el primer álbum de la banda en ser certificado platino en los EE. UU. llegando al triple platino. La canción más conocida del álbum, «Bohemian Rhapsody «, fue inicialmente rechazada por EMI para ser lanzada como single, ya que era demasiado larga, exigiendo una edición de radio, a lo que Queen se negó. El amigo de Mercury, y D.J. de radio Kenny Everett , jugó un papel fundamental en la difusión del tema, ya que se le dio una copia promocional con la condición de que no la pinchara, pero terminó haciéndolo catorce veces durante un solo fin de semana. La centralita se colapso con llamadas de fans preguntando cuándo se lanzaría la canción. Con EMI obligado a lanzar «Bohemian Rhapsody» debido a la demanda del público, el sencillo alcanzó el número uno en el Reino Unido durante nueve semanas. Es el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, y el sencillo comercial más vendido (es decir, no con fines benéficos) en el Reino Unido. También alcanzó el número nueve en los Estados Unidos (un relanzamiento de 1992 alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas). Es el único sencillo que ha vendido un millón de copias en dos ocasiones distintas, y se convirtió en el número uno de Navidad dos veces en el Reino Unido, el único sencillo en hacerlo. El segundo sencillo del álbum alcanzó el puesto número dieciséis en el Billboard Hot 100 de EE. UU., entrando en el «top ten» de éxitos mundiales. El video se filmó en tres horas y costó 3.500 libras, cinco veces el presupuesto promocional típico.

El 10 de diciembre de 1976 se publicó «A Day at the Races» , convirtiéndose en el primer álbum completamente autoproducido de la banda y el primero en no contar con el productor Roy Thomas Baker. El álbum, al igual que su predecesor «A Night at the Opera», toman sus nombres de películas de los hermanos Marx, ( el más conocido de los hermanos Marx, Groucho Marx , invitó a Queen a visitarlo en su casa de Los Ángeles en marzo de 1977) además de compartir empaques parecidos y temas musicales similares. El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, y el número cinco en el Billboard 200 de EE. UU., siendo el tercer álbum de Queen en convertirse en oro en los EE. UU., alcanzando posteriormente la certificación platino.

Queen tocó un concierto histórico el 18 de septiembre de 1976, un concierto gratuito en Hyde Park , Londres, organizado por el empresario Richard Branson. El show estableció un récord de asistencia con 150.000 personas confirmadas en la audiencia. Queen llegó tarde al escenario y se quedó sin tiempo para tocar un bis; la policía informó a Mercury que sería arrestado si intentaba volver a subir al escenario.

El sexto álbum de estudio de la banda, «News of the World», fue lanzado en 1977, siendo cuatro veces platino en los Estados Unidos y dos veces en el Reino Unido. El álbum contenía dos de los himnos más reconocidos del rock, «We Will Rock You» y «We Are the Champions», que se convirtieron en himnos deportivos internacionales, este último alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. La llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, hizo que losa temas del álbum se alejaran del rock progresivo y más hacia la música rock más simple. Queen fue visto como la antítesis del punk, particularmente en sus influencias «gay» y su elaborada producción. En 1978 recibieron el premio Madison Square Garden Gold Ticket Award por superar las ventas de entradas de más de 100.000 unidades en el Madison Square Garden. En 1978, la banda lanzó «Jazz», que alcanzó el número dos en el Reino Unido y el número seis en el Billboard 200 en los Estados Unidos. El álbum fue de nuevo producido por por Roy Thomas Baker.

Para promover el álbum (y el primer sencillo «Fat Bottomed Girls»/ «Bicycle Race») se llevó a cabo una carrera de bicicletas con mujeres desnudas. Mas tarde, se incluyó un póster en el L.P. del inicio de la carrera. El lanzamiento estadounidense no incluyó el póster, pero sí un formulario de pedido. Una porción más pequeña de la imagen del póster también se usó como portada alternativa para «Bicycle Race». La portada mostraba una vista trasera de una de las mujeres en su bicicleta, pero se pintaron unas bragas rojas para evitar la protesta pública. Cuenta la leyenda que la banda tomó prestadas las bicicletas de una tienda («Halfords», según las notas del álbum), pero al devolverlas se les informó que tendrían que comprar todos los asientos, ya que habían sido usados ​​de manera inapropiada (es decir, sin ropa).

En 1978, Queen realizó una gira por Estados Unidos y Canadá, y pasó gran parte de 1979 de gira por Europa y Japón. En 1979 lanzaron su primer álbum doble en vivo, «Live Killers», autoproducido por la banda y el primero en ser mezclado en sus propios estudios, Mountain Studios en Montreux, Suiza. El álbum alcanzó el número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 16 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, siendo certificado como doble platino en los Estados Unidos. Fuera de los Estados Unidos, Europa y Canadá, Elektra Records relanzó en 1985 una versión más corta y editada del álbum titulado «Queen Live».

Los años 80.

Queen debutó en la década de 1980 con «The Game». Contó con los sencillos «Crazy Little Thing Called Love» (lanzado un año antes convirtiéndose en el primer sencillo número uno de la banda en los Estados Unidos, donde encabezó el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas) y «Another One Bites the Dust» , que en octubre de 1980 pasó tres semanas en el número uno, y que fue lanzado como single por sugerencia de Michael Jackson a Mercury en el backstage después de asistir a un concierto de Queen en Los Ángeles. El álbum encabezó el Billboard 200 durante cinco semanas, y vendió más de cuatro millones de copias en los Estados Unidos. También fue la primera aparición de un sintetizador en un álbum de Queen. Hasta ese momento, sus álbumes presentaban un distintivo en la portada que decía: «No Synthesisers!» (sin sintetizadores). En septiembre de 1980, Queen realizó tres espectáculos con entradas agotadas en el Madison Square Garden. En 1980, Queen también lanzó la banda sonora para la película «Flash Gordon», con tan solo dos pistas con letra. El álbum alcanzó el número 10 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 23 en los EE. UU.

En febrero de 1981, Queen viajó a Sudamérica como parte de «The Game Tour» y se convirtió en la primera banda de rock importante en tocar en estadios latinoamericanos. La gira incluyó cinco espectáculos en Argentina, uno de los cuales atrajo a la mayor multitud a un concierto en la historia argentina con una audiencia de 300.000 personas y dos conciertos en el Estadio Morumbi en São Paulo, Brasil, donde tocaron para más de 131.000 personas en la primera noche (entonces la audiencia de pago más grande para una sola banda en cualquier parte del mundo) y más de 120.000 personas la noche siguiente. Queen grabó con David Bowie en 1981 el sencillo «Under Pressure». Tras su lanzamiento, la canción tuvo un gran éxito, alcanzando el número uno en el Reino Unido. Aunque la canción era en principio un proyecto ajeno al grupo el tema se incluyó en su siguiente álbum «Hot Space».

En octubre de ese año, Queen lanzó su primer álbum recopilatorio, titulado «Greatest Hits», con sus temas más destacados de 1974 a 1981. Es el álbum más vendido en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido y (en agosto de 2020) había pasado más de 900 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido, la mayor cantidad de semanas hasta la fecha. Aproximadamente una de cada tres familias en el Reino Unido posee una copia. El álbum está certificado nueve veces platino en los Estados Unidos y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. A día de hoy ha pasado más de 450 semanas en el Billboard 200 de EE.UU.

En 1982, la banda lanzó el álbum «Hot Space», alejándose de su sonido característico de los setenta, esta vez siendo una mezcla de pop rock, dance, disco, funk y R&B . Esto hizo que el álbum fuera menos popular entre los fans (con ventas estimadas en 3,5 millones de copias) que preferían el estilo de rock tradicional, sello de identidad de la banda. Taylor y May no contentos con el nuevo sonido, criticaron la influencia que el manager personal de Mercury, Paul Prenter, tuvo en el cantante. Según Mack , el productor de Queen, Prenter detestaba la música rock e influyó en Mercury durante las sesiones de grabación. May también criticó a Prenter, por desestimar la importancia de las estaciones de radio y su conexión entre el artista y su publico, y por negarles el acceso a Mercury.

«Este tipo, en el transcurso de una gira , le dijo a todas las estaciones de grabación que se fueran a la mierda». Pero no solo «a la mierda» , sino «Freddie dice, «a la mierda».

Brian May sobre Paul Prender

El 14 y 15 de septiembre de 1982, la banda realizó sus dos últimos conciertos en los Estados Unidos con Mercury como voz principal, tocando en The Forum en Inglewood, California. La banda dejó de viajar por América del Norte después de su «Hot Space Tour», ya que su éxito allí había disminuido, aunque actuarían en la televisión estadounidense por única vez durante el estreno de la octava temporada de «Saturday Night Live» el 25 de septiembre del mismo año. Su caída en popularidad en los EE.UU. se debió en gran parte a una homofobia hacia Mercury. En algunos espectáculos de la gira estadounidense de la banda en 1980, varios fans arrojaron cuchillas de afeitar desechables al escenario: no les gustaba la identidad de Mercury, ya que lo percibían como un héroe del rock & roll descaradamente gay, y eso no gustaba. Después de trabajar de manera constante durante más de diez años, Queen decidió no realizar ningún espectáculo en vivo en 1983. Queen dejó Elektra Records, su sello en los EE.UU., Canadá, Japón, Australia y Nueva Zelanda, y firmó con EMI/Capitol Records.

En febrero de 1984, Queen lanzó su undécimo álbum de estudio, «The Works». En el Reino Unido, obtuvo el triple platino y permaneció en la lista de álbumes durante dos años. A pesar de la buena aceptación y los singles de éxito, el álbum no tuvo buenas ventas en los EE.UU., donde, además de los problemas con su nuevo sello discográfico Capitol Records, el video de «I Want to Break Free», una parodia de la telenovela británica «Coronation Street», (donde los miembros de la banda a parecen disfrazados de mujer) generó mucha polémica y fue prohibido por MTV. Ese año, Queen añadió a la gira al teclista Spike Edney como músico adicional. La gira contó con nueve fechas agotadas en octubre en Bophuthatswana, Sudáfrica, en el estadio de Sun City. Al regresar a Inglaterra, fueron «increpados», por tocar en Sudáfrica durante el apogeo del apartheid y en violación de los esfuerzos de desinversión en todo el mundo y del boicot cultural de las Naciones Unidas. La banda respondió a las críticas afirmando que fueron a tocar para sus fans en Sudáfrica, y también enfatizaron que los conciertos se realizaron con audiencias integradas. Queen realizó una donación a una escuela para sordos y ciegos como gesto filantrópico, pero fue multada por la Unión de Músicos Británica y colocada en la lista negra de artistas de las Naciones Unidas.

1985: Live Aid y de nuevo a lo mas alto.

En enero de 1985, Queen encabezó dos noches del primer festival Rock in Rio en Río de Janeiro, Brasil, actuando frente a más de 300.000 personas cada noche. Lo más destacado de ambas noches fue transmitido por MTV en los Estados Unidos y lanzado en VHS como «Queen: Live in Rio». En «Live Aid», celebrado en Wembley el 13 de julio de 1985, frente a la audiencia televisiva más grande de la historia de aproximadamente 1.900 millones de espectadores, Queen interpretó algunos de sus grandes éxitos. La banda se revitalizó tras el «Live Aid», con el consiguiente aumento en las ventas de discos.

«Desde nuestra perspectiva, el hecho de que Live Aid sucediera cuando sucedió fue realmente afortunado. Salió de la nada para salvarnos. Seguro que fue un punto de inflexión. Podría decirse que en la historia de Queen, fue un momento realmente especial».

Freddie Mercury

El 2 de diciembre de 1985, EMI Records lanzó lo que entonces era la caja definitiva de Queen «The Complete Works», con los 11 álbumes de estudio de la banda, su álbum en vivo «Live Killers» y un disco adicional titulado «Complete Vision», que contenía todas las caras A y B que no aparecían en lo álbumes. Además, la banda firmó solo 600 copias (en la portada de Complete Vision), que ahora se han convertido en artículos de colección. Además, la caja incluía dos libros, el primero con todas las ilustraciones, letras e imágenes de los álbumes; el otro tenía un mapa del mundo en color que mostraba dónde tocaba Queen trazando un itinerario de la gira mundial hasta ese momento, con una lista del equipo que llevaban consigo. Cada álbum fue remasterizado digitalmente y revestido en blanco con un escudo en relieve y números romanos dorados. Su siguiente álbum de estudio «A Kind of Magic», fue lanzado el 2 de junio de 1986. Fue su primer álbum de estudio grabado digitalmente. En realidad es una banda sonora no oficial para la película Highlander de 1986 (en España titulada «Los Inmortales»), para la cual no se lanzó ningún álbum de banda sonora oficial. Seis de las nueve canciones del álbum aparecieron en la película, aunque en diferentes versiones. Una de las tres canciones que no aparecieron fue «One Vision», que apareció un año antes en la película «Iron Eagle». Por el contrario, una grabación de el tema «Nueva York, Nueva York» fue creado específicamente para una escena de la película y no aparece en «A Kind of Magic» y, de hecho, nunca se ha lanzado en forma de álbum hasta la fecha. El álbum fue todo un éxito en el Reino Unido, pasando directamente al número uno y vendiendo 100.000 copias en su primera semana. Permaneció en las listas de éxitos del Reino Unido durante 63 semanas, vendiendo 600.000 ejemplares sólo en el Reino Unido. El álbum tuvo menos éxito en Estados Unidos donde llego al numero 46 en las listas de ese pais.

Más de un millón de personas vieron a Queen en la gira: 400.000 sólo en el Reino Unido, un récord en ese momento. El punto culminante del Magic Tour fue en el estadio de Wembley, dando como resultado el álbum doble en vivo «Queen at Wembley», lanzado en CD y en VHS/DVD, siendo cinco veces platino en los EE.UU. y cuatro veces platino en el Reino Unido. Queen no pudo reservar Wembley para una tercera noche, pero tocó en Knebworth Park el 9 de agosto. El espectáculo se agotó en dos horas y más de 120.000 fans llenaron el parque para lo que fue la actuación final de Queen con Mercury.

«En Knebworth, de alguna manera sentí que iba a ser el último concierto para todos nosotros»

Peter Hince (roadie de Queen)

«No voy a estar haciendo esto para siempre. Esta es probablemente la última vez».

Freddie Mercury sobre el concierto de Knebworth

Los últimos años de Mercury.

En 1988 era evidente la apariencia cada vez más demacrada de Mercury en 1988, los medios informaron que Mercury estaba gravemente enfermo, y que el SIDA se mencionaba con frecuencia como causa de su enfermedad. Mercury lo negó, insistiendo en que estaba simplemente «exhausto» y demasiado ocupado para proporcionar entrevistas. De hecho, Mercury había sido diagnosticado de VIH positivo en 1987, pero no hizo pública su enfermedad, y solo su círculo íntimo de colegas y amigos estaba al tanto de su enfermedad. La banda lanzó «The Miracle» el 22 de mayo de 1989 por Parlophone Records en el Reino Unido y Capitol Records y en los EE.UU., siendo el primer y último álbum de estudio de la banda lanzado en esas etiquetas respectivamente. El álbum originalmente se llamaría «The Invisible Men», pero tres semanas antes del lanzamiento, según Roger Taylor, decidieron cambiar el nombre a «The Miracle». También fue el último álbum de Queen con una foto de la banda en la portada. Este trabajo continuó la dirección de «A Kind of Magic», utilizando un sonido pop-rock mezclado con algunos temas pesados. «The Miracle» también inició un cambio en la dirección de la filosofía de composición de Queen, anteriormente casi todas las canciones habían sido escritas y acreditadas a un solo miembro, pero con este álbum, su composición se volvió más colaborativa, y decidieron acreditar el producto final solo a Queen como grupo. «The Miracle» alcanzó el número uno en el Reino Unido, Austria, Alemania, los Países Bajos y Suiza, y el número 24 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos.

En 1990, Queen finalizó su contrato con Capitol y firmó con Hollywood Records; A través del acuerdo, Disney adquirió los derechos de distribución en América del Norte del catálogo de Queen por 10 millones de dólares y siendo aun hoy el propietario y distribuidor del catálogo de música del grupo en Estados Unidos y Canadá. En febrero de ese año, Mercury hizo su última aparición pública cuando se unió al resto de la banda en el escenario del Dominion Theatre de Londres para recoger el Brit Award por su destacada contribución a la música Británica.

Su decimocuarto álbum de estudio, «Innuendo», fue lanzado a principios de 1991. El primer single (que daba titulo al álbum) debutó en el número uno en la lista de singles del Reino Unido, siendo el primer número uno de la banda desde «Under Pressure» en 1981. El guitarrista Steve Howe (Yes/Asia) toca la parte de guitarra flamenca en esta canción y se convirtió en el único musico ajeno a Queen en tocar la guitarra en una grabación de estudio del grupo. El siguiente sencillo «The Show Must Go On», lanzado como un precursor de «Greatest Hits II», presentaba imágenes de archivo de las actuaciones de Queen entre 1981 y 1989, y junto con la forma de sus letras, alimentaba los rumores de que Mercury se estaba muriendo. Freddy estaba cada vez más enfermo y apenas podía caminar cuando la banda grabó «The Show Must Go On» en 1990. El resto de la banda estaba listo para grabar cuando Mercury se sentía capaz de entrar al estudio, durante una o dos horas seguidas.

«Él seguía diciendo: Escríbeme más, escríbeme cosas. Solo quiero cantar esto y hacerlo y cuando me vaya, puedes terminarlo. En realidad, no tenía miedo».

Brian May sobre el estado de salud de Mercury

El segundo grandes éxitos de la banda, «Greatest Hits II», se lanzó en octubre de 1991, convirtiéndose en el décimo álbum más vendido en el Reino Unido, el séptimo álbum más vendido en Alemania y el decimotercer álbum más vendido en Francia, vendiendo 16 millones de copias en todo el mundo.

El 23 de noviembre de 1991, en una declaración hecha en su lecho de muerte, Mercury confirmó que tenía SIDA. Dentro de las 24 horas siguientes a la declaración, murió de neumonía bronquial, producida por una complicación de la enfermedad. Su funeral, celebrado el 27 de noviembre en Kensal Green, en el oeste de Londres, fue privado y se llevó a cabo de acuerdo con la fe religiosa zoroástrica de su familia. «Bohemian Rhapsody» fue relanzado como single poco después de la muerte de Mercury. El single llegó al número uno en el Reino Unido, permaneciendo allí durante cinco semanas, la única grabación que encabezó la lista navideña dos veces y la única en ser el número uno en cuatro años diferentes (1975, 1976, 1991 y 1992). Las ganancias iniciales del single, aproximadamente 1 millón de libras fueron donadas a Terrence Higgins Trust, una organización benéfica contra el SIDA.

La popularidad de Queen aumentó en Norteamérica cuando «Bohemian Rhapsody» apareció en la película de 1992 «Wayne’s World». Su inclusión ayudó a la canción a alcanzar ese año el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas (junto al numero de semanas que pasó en 1976, permaneció en el Hot 100 durante 41 semanas combinadas). El álbum recopilatorio «Classic Queen» (una versión estadounidense de «Greatest Hits II») fue publicado para capitalizar la renovada popularidad de Queen. El álbum alcanzó el número cuatro en el Billboard 200 de los EE.UU., siendo certificado tres veces platino alli y cinco veces platino en Canadá. Las ventas acumuladas de «Greatest Hits II» y «Classic Queen» (para EE.UU. y Canadá) superan los 25 millones en todo el mundo.

El 20 de abril de 1992, se celebró el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley de Londres ante una multitud de 72.000 personas. Algunos de los artistas incluidos fueron Def Leppard, Robert Plant, Tony Iommi, Roger Daltrey, Guns N ‘Roses, Elton John, David Bowie, George Michael, Annie Lennox, Seal, Extreme y Metallica, quienes interpretaron varias canciones de Queen junto con las tres miembros de la banda. El concierto aparece en el Libro Guinness de los Récords como «El concierto benéfico más grande en memoria de una estrella de rock», ya que fue televisado a más de 1.200 millones de espectadores en todo el mundo, recaudando más de 20 millones de libras para organizaciones benéficas contra el SIDA.

Tras la muerte Freddie.

El último álbum de Queen con Mercury, titulado «Made in Heaven», fue lanzado en 1995, cuatro años después de su muerte. El álbum se construyó a partir de las grabaciones finales de Mercury en 1991, material sobrante de sus trabajos anteriores y material reelaborado por May y Taylor. El álbum también incluía la canción «Mother Love», la última grabación vocal que hizo Mercury, que completó usando una caja de ritmos, sobre la cual May, Taylor y Deacon agregaron la pista instrumental. Después de completar el penúltimo verso, Mercury le dijo a la banda que «no se sentía tan bien» asegurando: «Lo terminaré cuando vuelva, la próxima vez». Mercury nunca regresó al estudio y fue May quien grabó el verso final de la canción. Ambas etapas de grabación, antes y después de la muerte de Mercury, se completaron en el estudio de la banda en Montreux, Suiza.

El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido después de su lanzamiento (su noveno álbum número uno) donde alcanzó el cuádruple platino vendiendo 1,2 millones de copias, además de vender 20 millones de copias en todo el mundo. La portada del álbum tiene dos fotos diferentes: la foto de portada del CD fue tomada al anochecer, mostrando la escultura de Mercury ubicada en el lago de Ginebra en Montreux, Suiza, en la contra portada aparecen May, Taylor y Deacon mirando a los Alpes; Mientras tanto, la foto de portada de L.P. se tomó en el mismo lugar al amanecer, mostrando la misma estatua pero con May, Taylor y Deacon mirando el amanecer en la contraportada. El 25 de noviembre de 1996, casi cinco años después de su muerte, se inauguró una estatua de Mercury en Montreux con vistas al lago de Ginebra.

En 1997, Queen regresó al estudio para grabar «No-One but You (Only the Good Die Young)», una canción dedicada a Mercury y todos aquellos que mueren demasiado pronto. Fue lanzado como un bonus track en el álbum recopilatorio «Queen Rocks» de ese mismo año. En enero de 1997, Queen interpretó en vivo en París «The Show Must Go On» con Elton John y el Ballet Béjart, en una noche en la que Mercury fue recordado, siendo la última actuación y aparición pública de John Deacon, quien decidió retirarse de la música. El concierto de París fue la segunda vez que Queen tocó en vivo desde la muerte de Mercury, lo que llevó a Elton John a instarlos a actuar nuevamente.

Brian May y Roger Taylor actuaron juntos en varias ceremonias de premios y conciertos benéficos, compartiendo voces con varios cantantes invitados. Durante ese tiempo, fueron presentados como «Queen +» seguido del nombre del cantante invitado. En noviembre de 1999, se lanzó «Greatest Hits III». En este punto, la gran cantidad de ventas de discos de Queen los convirtió en el segundo artista más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, detrás de los Beatles. En noviembre de 2000, la banda lanzó la caja, «The Platinum Collection», certificado siete veces platino en el Reino Unido y cinco veces platino en los EE.UU.

Desde la muerte de Mercury se han lanzado números recopilatorios y directos tanto en formato C.D. como Dvd/Blue Ray. Para mi la historia de Queen acaba aquí, es decir, no voy a hablar sobre las reuniones con Paul Rodgers o Adam Lambert ya que considero que Queen son los cuatro miembros originales. Queen compuso música que se inspiró en muchos géneros musicales diferentes, a menudo con una actitud irónica, como el rock progresivo (también conocido como rock sinfónico), art rock, glam rock, heavy metal, pop rock o rockabilly, aunque también escribió canciones inspiradas en diversos estilos musicales que no se asocian típicamente con grupos de rock, como la ópera, music hall, música folck, gospel, ragtime o música disco. La banda ha lanzado un total de 18 álbumes número uno, 18 sencillos número uno y 10 DVD número uno en todo el mundo, lo que los convierte en uno de los artistas musicales más vendidos del mundo. En 2004 las estimaciones de ventas de discos los situaba entre los 170 y los 300 millones de discos en todo el mundo, incluidos 34,5 millones de álbumes en los EE.UU. En 2001 fueron incluidos en el Rock y Roll Hall of Fame. Queen es el único grupo en el que cada miembro ha compuesto más de un single que encabeza las listas de éxitos. En 2003 los cuatro miembros fueron incluidos en el Songwriters Hall of Fame. En enero de 2020, Queen se convirtió en la primera banda en unirse a la reina Isabel II en una moneda británica. Emitida por la Royal Mint, la moneda conmemorativa de 5 libras presenta los instrumentos de los cuatro miembros de la banda. En julio de 2020, Queen se convirtió en la tercera banda (después de los Beatles y Pink Floyd) en aparecer en una serie de sellos postales del Reino Unido emitidos por Royal Mail.

Queen sin duda ha sido una fuente de inspiración importante para géneros como el hard rock y el heavy metal. La banda ha sido citada como una influencia por muchas bandas como: Judas Priest, Iron Maiden, Dream Theater, Rage Against the Machine, Guns N ‘Roses, Def Leppard, Mötley Crüe, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers o Marilyn Manson. Asi como para bandas de otros estilos como The Killers, My Chemical Romance, Faith Hill, George Michael, Robbie Williams, Adele, Lady Gaga o Katy Perry.

Pero vamos a continuar con la cabeza visible de Queen, con le permiso de Mercury, el guitarrista Brian May y no lo hacemos con su trabajo en solitario sino con esta colaboración en este proyecto llamado Phenomena.

Phenomena es un proyecto de hard rock/AOR formado por el productor Tom Galley y su hermano, el ex guitarrista de Whitesnake, Mel Galley. Durante la grabación de su primer trabajo se les unió el fundador de la revista «Metal Hammer», Wilfried Rimensberger. El homónimo debut de este proyecto, lanzado en 1985, resultó un absoluto éxito, con participaciones de músicos tan prestigiosos como Cozy Powell, el mencionado Mel Galley, Neil Murray, Don Airey o Ted McKenna, además de contar con la impecable voz de Glenn Hughes. Tres años después regresaron con “Phenomena II: Dream Runner”, en esta ocasión contaba con aún más participantes, destacando las voces de Hughes, John Wetton, Ray Gillen y Max Bacon. La tercera parte tardó seis años en llegar, bajo el título de “Phenomena III: Inner Vision”, dónde destacan las guitarras de Brian May y Scott Gorham, ex guitarrista de Thin Lizzy, además de volver al formato de un solo vocalista, con Keith Murrel, ex Mama’s Boys, cómo cantante. en este ultimo trabajo aparecían el batería Michael Sturgis y el bajista Leif Johansson, compañeros de Gorham en esta banda llamada 21 Guns.

Formados a principios de la década de 1990 por el guitarrista de Thin Lizzy, Scott Gorham, el bajista Leif Johanson y el bateria Mike Sturgis, quienes se conocieron a través de su trabajo en Phenomena, mas el vocalista Tommy La Verdi. La banda debuto en 1990 con el álbum «Salute», con un sonido de hard rock melódico, con tintes AOR. Para el segundo álbum de 1997 «Nothing’s Real», La Verdi fue reemplazado por el cantante Hans-Olav Solli y el sonido del grupo se volvió mas rockero y menos AOR. La banda se disolvió en 2000, publicando en 2002 «Demolition», un álbum con demos que no entraron en sus dos anteriores trabajos. Vamos con una curiosidad, uno de los temas de su primer álbum «Just a Wish» fue regrabada en este curioso proyecto llamado Far Corporation.

Banda «internacional» creada por el productor alemán Frank Farian, quien creó las bandas Boney M. y Milli Vanilli. El nombre fue abreviado de «Frank Farian Corporation», que originalmente se creó para grabar una versión de «Mother and Child Reunion» de Paul Simon como un disco benéfico, con el que logró entrar en el top 10 en varios países europeos. El principal logro de Far Corporation fue su versión de «Stairway to Heaven» de Led Zeppelin. Curiosamente, Far Corporation fue en realidad el primer grupo en llegar a las listas de sencillos con esta canción, ya que Led Zeppelin nunca la había lanzado como sencillo. De hecho, fue la única versión de la canción que se ubicó en el Billboard Hot 100 de EE.UU. , alcanzando el puesto 89 en octubre de 1986. Algunos de los músicos que Farian reunió fueron los vocalistas Robin McAuley y Henry Gorman, el batería Simon Phillips y tres miembros de Toto, el vocalista Bobby Kimball, el teclista David Paichy el guitarrista Steve Lukather. Far Corporation lanzó su primer álbum «Division One» en 1985 y su versión de «Stairway to Heaven» alcanzó el puesto numero 8 en la lista de singles del Reino Unido. El segundo sencillo del álbum fue otra versión, «Fire and Water» de Free. En 1987 se lanzaron dos sencillos en adelanto de un siguiente álbum, pero ninguno llegó a las listas de éxitos, y el álbum finalmente fue descartado. En 1994 se lanzó ese segundo trabajo «Solitude» coincidiendo con 25 aniversario de Farian como productor. En realidad este proyecto no tiene mucho que ver con el rock, ya que muchos temas eran una mezcla de pop rock con sonidos disco de la época, pero es curioso ver como músicos de hard rock o incluso heavy se involucran en este tipo de proyectos. Precisamente uno de esos musicos nos lleva a la siguiente banda, el batería Simon Phillips y su paso por los míticos Judas Priest.

Banda a la que se le dedico el programa numero 15 http://rockencadena.home.blog/2020/02/05/programa-no-15/ y en la que nos centraremos en su tercer álbum de estudio publicado el 8 de abril de 1977. Después de lanzar sus dos primeros álbumes con el sello Gull, Judas Priest vio una falta de apoyo financiero por parte de su compañía discográfica. Su álbum anterior, «Sad Wings of Destiny», llamó la atención de CBS Records, y con la ayuda del nuevo manager David Hemmings, la banda firmó con CBS y recibió un presupuesto de 60.000 libras para el siguiente álbum, cuyo titulo esta sacado de la letra de la canción «Genocide» de su anterior trabajo. La firma requirió romper su contrato con Gull, lo que resultó en que los derechos de los dos primeros álbumes y todas las grabaciones relacionadas, incluidas las demos, se convirtieran en propiedad de Gull, quien reempaquetaba y relanzaba periódicamente el material de estos álbumes. La grabación comenzó en enero de 1977 en los Rampart Studios de Londres, propiedad de la banda The Who. El bajista de Deep Purple, Roger Glover, fue contratado para producir el álbum aunque la banda inicialmente estaba bastante interesada ​​en producir «Sin After Sin». CBS, sin embargo, insistió en un productor experimentado, sugiriendo a Roger Glover. La banda estuvo de acuerdo, pero después de una sesión, despidió a Glover, continuando por su cuenta. Después de algunas semanas de no sacar nada en claro, la banda llamó a Glover y las sesiones comenzaron de nuevo, a tan solo seis días de acabar el tiempo reservado en el estudio. Durante este período la banda se separó del batería Alan Moore, ya que su técnica era demasiado limitada para el sonido que la banda tenia pensado. El batería de sesión Simon Phillips fue contratado para terminar las grabaciones quien se negó a convertirse en miembro permanente de Judas Priest, por lo que la banda contrató a Les Binks por recomendación de Glover. El álbum incluye una versión de la canción de Joan Baez «Diamonds & Rust», decisión que fue alentada por el productor Roger Glover con el interés de agregar un tema con potencial comercial. De hecho, «Diamonds & Rust» fue la primera canción de Judas Priest en ser emitida en la radio. «Sin After Sin» fue el lanzamiento más exitoso de Judas Priest hasta ese momento, alcanzando el puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido. Ese éxito fue difícil de duplicar en los EE.UU., donde el álbum no se entró en las listas. En el Reino Unido, también se enfrentaron a una recepción algo hostil además de ser ignorados por una prensa musical que en ese momento estaba muy centrada en un nuevo género que se extendió por Gran Bretaña a fines de la década de 1970, el punk rock. Aunque tardaría varios años, «Sin After Sin» es el primero de once álbumes consecutivos de Judas Priest en ser certificado oro o superior. «Sin After Sin» fue el último álbum de Judas Priest que incluyó su logotipo original de «letra cursiva gótica». Continuamos con el «culpable» del éxito (o parte) de este álbum, el bajista y productor Roger Glover, y como con su banda Deep Purple.

Otra banda que tuvo su programa http://rockencadena.home.blog/2020/05/05/programa-no17/ así que ya sabéis lo que toca…hablar de la reunión de la banda a mediados de los 80. En abril de 1984, ocho años después de la desaparición de Deep Purple, tuvo lugar una reunión con la formación «clásica» (Mark II que dicen los anglosajones) de principios de la década de 1970: Gillan, Lord, Blackmore, Glover y Paice. La banda firmó un contrato mundial con PolyGram, con Mercury Records lanzando sus álbumes en los Estados Unidos y Polydor Records en el Reino Unido y otros países. El álbum «Perfect Strangers» fue lanzado en octubre de 1984. El álbum fue un éxito comercial, alcanzando el número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 12 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de estudio de la banda en ser platino en los Estados Unidos, después de «Machine Head» de 1972. La gira fue tan exitosa que la banda tuvo que reservar fechas adicionales para la gira por estadios en Estados Unidos, ya que las entradas se agotaron muy rápidamente. Su gira por Estados Unidos en 1985 superó a todos los artistas de ese año, excepto a Bruce Springsteen. Con esta formación «clásica» se lanzando «The House of Blue Light» en 1987, y otro álbum en vivo, «Nobody’s Perfect» de 1988. En el Reino Unido se lanzó una nueva versión de «Hush» (con Gillan en la voz principal) para conmemorar los 20 años de la banda. Gillan fue despedido en 1989; sus relaciones con Blackmore se habían agriado de nuevo y sus diferencias musicales habían divergido demasiado. Y precisamente con el vocalista que sustituyo a Gillan la primera vez que abandono la banda continuamos, el gran David Coverdale y sus Whitesnake.

Después de la desaparición de Deep Purple, Coverdale se embarcó en una carrera en solitario. Lanzó su primer álbum en febrero de 1977, titulado «White Snake» y en 1978, su segundo álbum titulado «Northwinds». Después de grabar el álbum, Coverdale formó la banda Whitesnake, lanzando a principios de 1978, el E.P. «Snakebite»…y hasta aquí la historia de Whitesnake, porque como ya sabéis dedicamos un programa a la banda hace tiempo http://rockencadena.home.blog/2021/04/05/programa-no28/ y allí podéis encontrar todo lo relacionado con la banda. Pero nos vamos a centrar en uno de sus mejores álbumes «Slide it in», un álbum lleno de historias que os cuento a continuación. Las grabaciones de «Slide It In» comenzaron en 1983 en Musicland Studios en Munich, Alemania con el productor Eddie Kramer, quien había sido sugerido a David Coverdale por John Kalodnerel A&R de Geffen Records, la nueva compañía de la banda en los Estados Unidos. Poco después Kramer fue sustituido por el productor británico Martin Birch. El guitarrista Micky Moody completó la grabación de todo el álbum con el nuevo productor Martin Birch, pero las cosas llegaron a un punto crítico a finales de 1983. Según Moody, la personalidad de Coverdale había cambiado en comparación con cuando se conocieron en 1976. Moody finalmente decidió dejar Whitesnake cuando Coverdale lo avergonzó frente al guitarrista de Thin Lizzy, John Sykes, que estaba de gira junto a Whitesnake. Poco después de la partida de Moody, John Sykes fue anunciado a la prensa como el nuevo guitarrista de la banda. Al mismo tiempo, el bajista Colin Hodgkinson fue despedido, ya que Coverdale vio que su estilo no encajaba con el nuevo sonido de Whitesnake. Como resultado de la partida de Hodgkinson, se le pidió a Neil Murray que se reincorporara de nuevo al grupo. Cuando «Slide It In» salió en el Reino Unido, fue un éxito en las listas, siendo su cuarto álbum entre los 10 primeros en el Reino Unido, alcanzando el número 9, pero fue muy criticado por sus «letras y títulos llenos de doble sentido» y por la mezcla del álbum, que se consideró «absolutamente plana». Esto pronto cambiaría, ya que el sello estadounidense de Whitesnake, Geffen Records, insistió en que el álbum fuera remezclado. Con la ayuda del famoso productor Keith Olsen, «Slide It In» renovó su sonido, ahora más duro y a la vez más moderno, además de darle a John Sykes y Neil Murray la oportunidad de reemplazar las partes de guitarra de Moody y las partes de bajo de Hodgkinson respectivamente.

La edición europea del álbum contiene la mezcla original. Esta mezcla presenta una presencia más fuerte de teclados de Jon Lord, y el bajo es más notorio. El orden de las pistas también es diferente al de la mezcla de EE.UU. La mezcla estadounidense baja los teclados y el bajo en la mezcla, y está más orientada a las guitarras y la batería. La versión estadounidense presenta algunos solos de guitarra diferentes a la edición europea, con la incorporación de John Sykes como tercer guitarrista superpuesto a las partes de guitarra originales grabadas por Mel Galley y Micky Moody. Las partes de bajo que originalmente fueron grabadas por Colin Hodgkinson fueron reemplazadas por las partes de bajo de Neil Murray. La versión estadounidense también incluyó algunas partes de teclado nuevas de Bill Cuomo. La versión remezclada de «Slide It In» alcanzó el puesto 40 en la lista Billboard 200. En 1988, el álbum volvió a entrar en las listas de Estados Unidos debido al éxito de su álbum homónimo de 1987, siendo certificado como doble platino. Fue la última grabación de Whitesnake que usó el logo «serpiente» original de la banda. El álbum finalmente vendió más de cuatro millones de discos. Whitesnake se embarcó en una gira europea con la formación de Coverdale/Sykes/ Galley/ Murray/ Lord/Powell, pero la banda tuvo problemas cuando Mel Galley se vio envuelto en un accidente que le dañó algunos nervios en el brazo y le impidió tocar la guitarra. Continuó como miembro de Whitesnake por un tiempo, pero fue despedido poco después. El grupo continuó de gira hasta abril de 1984, cuando hubo otro cambio de formación, Jon Lord abandonó el grupo, lo que dejó a Whitesnake como un cuarteto. Después de que terminó la gira, Cozy Powell se separó de la banda, un musico que entre sus muchas bandas y colaboraciones se encuentra este proyecto llamado SAS Band.

All-Star Band fundada en 1994 por el teclista de de directo de Queen, Spike Edney y bautizada como SAS Band (Spike’s All Stars). La banda original de directo incluía a Cozy Powell a la batería, Neil Murray al bajo y Jamie Moses a la guitarra, con los que grabó en 1997 el primer álbum además de contar con la colaboración de muchos y variados músicos de la escena musical británica del rock y del pop, entre ellos se encuentran miembros de Queen, Whitesnake, Free, Roxy Music, Toto y Spandau Ballet, y artistas solistas como Fish, Bruce Dickinson, Kiki Dee, Paul Young, Lionel Richie o Bob Geldof. En el año 2000 aparece su segundo trabajo titulado «The Show». Tanto en los álbumes como en los directos SAS Band interpreta versiones y temas propios de los músicos que colaboran en el proyecto. A mediados de la década de 1970, Spike Edney grabó y realizó giras con The Tymes y Ben E. King, tocando teclados, bajo, guitarra y trombón. Posteriormente, a finales de la década de 1970, fue director musical de Edwin Starr y, a principios de la década de 1980, trabajó con Duran Duran, The Boomtown Rats y The Rolling Stones. Desde 1984, durante la gira The Works de Queen, Edney se convirtió en su teclista de directo hasta los ultimo shows de Mercury. Tras la muerte de Freddie Mercury, Edney asumió el papel de Mercury en el piano durante las giras de Queen + Paul Rodgers en 2005, 2006 y 2008, Queen + Adam Lambert en 2012, 2014 y la gira 2015-2020. También ha sido el teclista de la producción londinense de We Will Rock You desde que se inauguró en 2002. Edney también es el director musical de la banda tributo oficial a Queen, Queen Extravaganza, además de formar parte de la banda de Brian May en las giras de 1993 y 1998, así como del proyecto paralelo de Roger Taylor, The Cross.

Taylor formó The Cross mientras Queen estaba en un descanso después del Magic Tour a mediados de 1987. Reclutó al teclista de gira de Queen, Spike Edney, el guitarrista Clayton Moss, el bajista Peter Noone y el batería Josh Macrae. El primer álbum, «Shove It», fue lanzado en 1988. Dos pistas incluyeron a miembros de Queen: Freddie Mercury y Brian May. En gran parte este trabajo era un proyecto en solitario, grabado principalmente por Taylor antes de reclutar al resto de la banda. El álbum y los tres sencillos que generó llegaron a las listas de éxitos en el Reino Unido, donde también recibió cierta prensa positiva. El segundo álbum de estudio, «Mad, Bad and Dangerous to Know» lanzado en 1990, es a diferencia de su anterior trabajo, un álbum mas orientado al rock donde cada miembro de la banda contribuye a la composición. Tras las malas ventas en el Reino Unido, EMI prescindió de la banda se negó a lanzar un tercer álbum de la banda. Sin embargo, como la banda había disfrutado de un éxito moderado en Alemania, la filial alemana de EMI, EMI Electrola, lanzó su tercer trabajo, Blue Rock (1991), en ese país además de en Japón, Italia (solo vinilo) y Francia (solo casete).»Blue Rock» continua con el sonido rock de su predecesor. Spike Edney contribuyó mucho más al disco, escribiendo o co-escribiendo siete de las diez pistas del álbum. «Blue Rock» tampoco logró vender muchas copias. Esto contribuyó a la disolución de The Cross dos años después. Y como no su fundador Roger Taylor nos lleva a la banda protagonista de este blog, Queen. Espero que hayáis disfrutado con la lectura. Hasta la próxima!!

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